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Entrevista en Project Art 10  por Ernesto de Oliveira . 7 de julio de 2014


 

Cuales son tus primeros contactos con el mundo del arte?

Desde que era pequeño siempre me recuerdo con lápices, pinturas y demás enseres que me permitían saciar cierta inquietud latente.

Pero es en el año 1993, cuando después de visitar la exposición de Antonio López en el Reina Sofia, quedo tan maravillado y enamorado de lo que veo, que me digo a mi mismo que eso es lo que yo quiero hacer sentir a la gente, hacerla vibrar como yo lo hice, sanar y ser sanado. A partir de ahí, comenzó esa dulce lucha por poder vivir de la pintura.

 

-Artista multidisciplinar, trabajas igual la pintura, el dibujo, la escultura…te sientes mas libre o mas identificado especialmente con alguno de estos lenguajes artísticos? 

Te sirves mas de una modalidad o de otra a la hora de expresar el mensaje que quieres dar con tu trabajo?

Cualquiera de estas disciplinas me hace sentir realmente libre, es más, creo que el arte en cualquier disciplina o modo de representación nos hace libres. Lo que me hace decantarme por una disciplina u otra solo depende de lo que quiera representar y transmitir.

Hoy por hoy me siento cómodo con las tres, pero no siempre ha sido así, llegué a estar dos años sin coger un pincel, únicamente dibujando. La pintura me frustraba, no alcanzaba técnicamente lo que me daba el lápiz y el papel, y decidí apartarlo temporalmente de mi estudio.

Para mi la técnica es una herramienta para llegar a un fin, y cada idea, mensaje o sentimiento se adecua más a una u otra.

 

-Tu obra muestra líneas clásicas, formas bien definidas, claridad del dibujo y del mensaje final que muestran a los personajes que son el centro principal de la obra con fondos neutros, vacíos, ausentes de alguna referencia en donde el personaje interacciona, prescindes de cualquier fondo superfluo que pueda distraer la atención del espectador. 

Lo principal del mensaje de tu obra es el propio personaje?

Considero muy importante el clasicismo técnico dentro de mi obra. Siempre me ha fascinado el Renacimiento, cómo utilizaban la técnica, el color, las superficies…e intento que me sirvan de guía, pero siempre dentro de un marco contemporáneo.

Las principales referencias en mi obra son la expresión corporal anatómica, que se manifiesta de un modo incluso coreográfico o cinematográfico y las naturalezas muertas representadas a través de objetos cotidianos.

La técnica y la ausencia de ruido son esenciales en el concepto de la obra pero aunque sea la parte más importante de la misma, los espacios y las composiciones tienen mucho peso, reforzando la presencia de personajes y objetos, y dotándolos de personalidad propia.

Es un trabajo de figura/fondo, donde uno no es sin el otro, un ejercicio de pensamiento visual.

 

-Tu obra transmite en ocasiones una dualidad entre la fragilidad y el aislamiento del propio personaje en un espacio vacío ausente de referencias y la fortaleza de su gesto.

Tanto la fragilidad como el aislamiento son el mero reflejo del individuo frente al sistema y la sociedad en la que vivimos, gritos de ahogo, de inestabilidad y de vértigo del ser humano, de continua soledad ante los acontecimientos exteriores.

La ausencia de referencias espacio temporales permiten que el espectador interactúe con la obra, con los personajes y objetos de la misma, y los dote de esa parte ausente dentro de su propias vivencias y percepciones visuales.

 

-La fortaleza, la expresión, el gesto de su pose, la fuerza de su expresividad frente al espectador, la personalidad propia que adopta en sus gestos ausente de cualquier otra cosa  que no sea el mismo, es la verdadera fortaleza de tu obra?

Realmente es la parte mas importante y lo que dota de concepto a mi obra, pero como antes comentaba, esa ausencia de referencias es igual de importante que la expresividad o gestualidad de los personajes.

Las formas y las composiciones están muy estudiadas antes del comienzo de la obra, pero todo parte de un concepto inicial que siempre aparece a modo de flash en mis pensamientos y es ahí cuando comienzo a trabajar plásticamente, seccionando el objeto, intentando dominar la técnica, realizando un compendio de percepción, análisis y pensamiento visual.

 

-Has colaborado en el estudio del artista Antonio López, y tu obra hiperrealista puede compararse con  el escultor Ron Mueck, te ha influido a la hora de elaborar tu trabajo la cercanía a estos autores, o es algo que es propio de tu lenguaje artístico?

Hablar tanto de Antonio López como de Ron Mueck son palabras mayores, dos de los mejores maestros de la pintura y escultura contemporánea.

Es probable que la influencia exista, al igual que la influencia de las vivencias de uno mismo. Pero técnicamente, influenciado o no, el lenguaje que utilizo es el que me nace y el que mejor me permite alcanzar el fin buscado y transmitir conceptualmente lo que quiero.

 

“Atemporal” da nombre a tu última exposición, ves así tu obra y tu trabajo?

El uno del blanco y negro en tus trabajos da mas fuerza al mensaje que quieres transmitir en tu trabajo? Algo que por otro lado es también algo clásico, la pintura y el dibujo son siempre atemporales.

“Atemporal”: adj. que esta fuera del tiempo o lo transciende.

Este adjetivo auna muchas características dentro de mi obra, de ahí que lo eligiera como nombre de mi última exposición. Significa la perfecta convivencia a lo largo de la Historia del Arte de las técnicas clásicas y composiciones contemporáneas.

Mis composiciones remiten al pasado y presente con esa ausencia de espacio-tiempo tan caracterítica que las hacen atemporales.

El blanco y el negro conceptualizan algunas de mis obras, pero el color es fundamental en otras. Y en ambos tipos de piezas empleo técnicas atemporales que ya han sido utilizadas  en siglos pasados y lo serán en el futuro.

 

-En tu versión escultórica trabajas con materiales como la cerámica esmaltada, hablamos un poco de este proceso de los materiales que utilizas.

La cerámica la realizo en Talavera de la Reina, ciudad de gran tradición cerámica, donde existen pruebas de cerámica realizadas en la época romana.

Junto al maestro Juan Carlos Albarrán del Centro Cerámico de Talavera llevo a cabo mis proyectos.

Es un proceso complejo y laborioso, en el que entran en juego muchos factores, desde la mano del artista, a la del maestro, pasando por los esmaltes y los hornos.

Yo realizo las obras en arcilla, se pasan a escayola, y de ahí se saca un molde que es rellenado con barro cerámico. Se mete en los hornos para realizar una primera cocción a casi 1000 grados centígrados denominada lechada que da dureza a las piezas. Posteriormente, la pieza se esmalta dando el color y el acabado deseado y se vuelve a meter al horno a una temperatura de 1300 grados, donde el esmalte cristaliza dando ese aspecto tan reconocible que tiene la cerámica.

Es una técnica espectacular y milenaria que enriquece la obra, es dura y frágil al mismo tiempo, ancestral y actual, objeto y obra, transparencia y opacidad…grandes cualidades que me ayudan a dotar de materia mis ideas.

 

-Has presentado tu trabajo en galerías, fundaciones de arte, como es tu visión actual del mercado del arte, la respuesta del público. Tenemos que ser siempre positivos ante la situación actual? 

Las galerías, fundaciones y demás espacios expositivos realizan un papel muy importante, ya que gracias a ellos puedes dar a conocer tu obra al público. Y como sucede con todo en la vida, puedes encontrarte con auténticos profesionales y gente que no lo son, pero ahí entra el artista en escena con su capacidad de elección.

Nos encontramos en un momento difícil respecto a las ventas, hay un público de clase media al que se le ha quitado la posibilidad de adquirir obras de arte, por lo que la colocación, que no repercusión de la obra, se reduce.

También hay mucha mediocridad respecto a las preferencias de los individuos, pero esa minoría que valora el arte y a los artistas, convierte al mundo del arte en más exclusivo si cabe.

No hay que ser negativo, pero sí saber adaptarse y luchar por los cambios. Y en los momentos mas difíciles es donde la creatividad aflora con mas fuerza y razón, y los grandes artistas reivindican con más argumentos su posición e importancia en la sociedad.

 

-Cuáles son tus nuevos proyectos en los que estas trabajando y donde podremos verlos próximamente?

Estoy trabajando en nuevas obras pictóricas y escultóricas para dos siguientes exposiciones con Cuatro Paredes Blancas, una colectiva y una individual que será la continuación de Atemporal.

Además, estoy trabajando en un políptico de nueve metros realizado en grafito sobre papel para un particular. En los próximos meses voy a realizar unas intervenciones en unas ruinas para un proyecto audiovisual. En paralelo estoy dando forma a un libro muy visual con diferentes colaboradores que esperemos salga a la luz en breve.

Por último, un local puntero de Madrid y que ha abierto sus puertas al público hace un par de meses llamado OTTO, ha adquirido tres obras mías de gran formato realizadas exclusivamente para ese espacio.

 

 

Entrevista en ART GOSSIP  por Naiara Valdano. 9 de noviembre de 2013


 

Para empezar, cuéntanos de donde vienes y cuando empezaste a interesarte por el arte.

Nací en Madrid en 1980. Mis primeras inquietudes respecto al mundo del arte comienzan a los 10 años, más o menos, cuando quedo fascinado por una obra de Caravaggio en el Museo del Prado, una obra que me atrapó sin saber bien por qué… ahora si lo sé.  Comenzaba a inundarme ese dulce veneno que una vez que empieza a entrar es imposible sacar.

Desde que tengo uso de razón me han interesado los procesos plásticos: el lápiz en el colegio (siempre andaba con uno encima), el grabado en el instituto y otras técnicas como la pintura, escultura o fotografía en la facultad de Bellas Artes.

Se puede decir que hay un interés innato que se va desarrollando, cultivando y apreciando con el paso de los años.

 

-Has realizado pintura, dibujo, escultura…. ¿Con qué medio expresivo te sientes más cómodo?

Realmente estoy cómodo con los tres, aunque es verdad que el dibujo es el medio con en el que hoy por hoy me siento con mayor destreza técnica.

A la hora de trabajar, elijo una modalidad u otra dependiendo de la obra que vaya a realizar y lo que desee transmitir. No quiero descartar de momento ninguno de los tres medios, ya que en cierto modo son complementarias las unas a las otras, ayudándose mutuamente a mejorar técnicamente, y como dije al comienzo, me siento bien con las tres.

 

-¿Cómo definirías tu estilo?

Como un estilo figurativo enmarcado dentro de un realismo mágico, donde propongo como único conocimiento la observación y la experiencia. Representó una realidad directa, desde una crudeza objetiva hasta una simplificación gráfica pasando por el filtro de mi pensamiento onírico.

Conceptualmente hablando, hago un trabajo que no se plantea un razonamiento doctriniano a partir de la obra. Es un trabajo que pertenece a un existencialismo al borde del abismo que es la vida vivida.

Se trata de una obra sin argumento, una captación simple de la realidad. Lo fundamental es como se representa la imagen y mi actitud frente a la realidad.

 

-¿Cuáles son tus influencias más directas? ¿Qué otros creadores y elementos te inspiran? 

Mi influencia más directa es la vida misma, una gran fuente de inspiración. Las experiencias propias vividas o soñadas por mi o por personas cercanas a mi (no físicamente, sino colectivamente).

Considero elementos referenciales en mi inspiración desde la figura humana en estados sensitivos hasta objetos cotidianos que forman parte del contexto de mi estudio o de mi día a día. Estos objetos comunes son percibidos por los sentidos y que tienen una existencia independiente del propio ser percibido.

Respecto a otros creadores, me inspira cualquiera que sea bueno, ya sea en el ámbito de la pintura, la escultura, la música, el cine, la literatura, etc… Puedo nombrar a algunos como Antonio López, David Rodríguez Caballero, Bach, Pina o Jodorosky.

 

-¿Cómo suele ser tu proceso creativo?

Mi proceso creativo comienza con una imagen y un sentimiento que aparecen en mi cabeza, como un pequeño flash percibido desde mi subconsciente hasta el consciente. Es la parte consciente la que da forma a esa imagen previa, sin intentar racionalizarla, solo pensando en la forma que adoptara y la técnica a ejecutar.

 

-¿En qué proyecto estas ahora involucrado?

Ahora mismo estoy realizando un proyecto para un coleccionista privado: un poliptico compuesto por cinco lienzos de 2 x 1,5 m para una pared de 9 x 3,5 m donde una figura humana va adquiriendo diferentes estados hasta alcanzar el éxtasis, todo ello con un hilo conductor.

Este proyecto es en lo que estaré más centrado durante los próximos tres meses, sin abandonar un par de posibles proyectos expositivos y la realización de bocetos para nuevas obras. 

 

-Por otro lado, como artista joven, ¿cómo ves el panorama artístico de nuestro país?

Respecto al nivel artístico, creo que es igual que el de hace un siglo o el del siglo que viene, con la diferencia de que ahora hay muchos talentos que se pierden debido a los problemas que nos rodean. Vivimos en el tiempo de los vulgares y destacar artísticamente en estos tiempos es difícil.

 

-¿Crees que un creador puede vivir única y exclusivamente de la actividad creativa dentro de nuestras fronteras? 

Pienso que, salvo algunas excepciones, es difícil, y más si nos referimos a vivir de un modo digno y hacerlo únicamente del talento y la creatividad.

La mayoría de las veces hay que conseguir dinero extra para poder pagar estudio y material, derrochando tiempo y energía que se quitan del proceso creativo. No obstante, con trabajo, sacrificio y talento es posible.

 

-¿Qué consejo(s) daríais a aquellas personas que quieren trabajar de su creatividad?

Que sean muy trabajadores, tenaces y que no se desanimen en el camino. Que crean ciegamente en lo que hacen, aunque todo el mundo les diga que no, y que aprovechen los malos momentos para ser más creativos y directos. Y también que tarde o temprano encontraran la recompensa y el sentido a todo lo que han hecho y por lo que han luchado.

 

-Por ultimo, nos gustaría que respondieras rápidamente a lo siguiente:

 

Un libro:

Libro Rojo de C.G.Jung.

Una película:

Mi pié izquierdo: La historia de Christy Brown, de Jim Sheridan.

 Una canción:

Moussolou, de Salif Keita a duo con Gala Evora, y Lillies of the Valley, de Jun Miyake, Pina Soundtrack.

 Un artista:

Antonio López y Caravaggio.

 Un museo o centro artístico:

El Prado y el Metropolitan.

 Una exposición:

Retrospectiva de Antonio López en el Thyssen.

 Un ciudad:

Madrid y Nueva York.

 Un recuerdo:

La primera vez que soñé que volaba.